Третьяковская галерея современное искусство

Василий Кандинский на картине «Москва I» представил свой взгляд на центр города: в зданиях можно узнать городские церкви и Большой театр, видна также брусчатка Красной площади. На фоне Москвы — влюбленная пара: возможно, ее прототипами стали сам Кандинский и его жена Нина Андреевская. При помощи ярких красок и четких линий он создал на холсте образ большого, шумного, подвижного города.

«Москва: двойственность, сложность, высшая степень подвижности, столкновение и путаница отдельных элементов внешности, в последнем следствии представляющей собою беспримерно своеобразно единый облик, те же свойства во внутренней жизни, спутывающие чуждого наблюдателя (отсюда и многообразные, противоречивые отзывы иностранцев о Москве), но все же в последнем следствии — жизни, такой же своеобразно-единой. Эту внешнюю и внутреннюю Москву я считаю исходной точкой моих исканий. Она — мой живописный камертон».

Работа Наталии Гончаровой «Ангелы, мечущие камни на город» стала частью цикла «Жатва». На него художницу вдохновила книга Библии — Откровение Иоанна Богослова. Падение камней в книге упоминается только один раз — в конце шестой главы: «…и всякий раб, и всякий свободный скрылись в пещеры и в ущелья гор, и говорят горам и камням: падите на нас и сокройте нас от лица Сидящего на престоле и от гнева Агнца; ибо пришел великий день гнева Его, и кто может устоять?»

В виде ангелов Гончарова изобразила Святую Троицу — Бога Отца, Бога Сына и Святого Духа. По ее замыслу, камни в их руках олицетворяют не небесную кару, а божественные дары. Люди отвергают их, и потому дары превращаются в наказания.

Аристарх Лентулов так описывал свою картину «Звон. Колокольня Ивана Великого»: «На холсте изображена колокольня Иван Великий в скошенных формах, в центре — колокол, раскачиваемый двумя людьми. Вокруг всего сооружения кругами расходятся волнообразные плоскости, передающие ощущение звука-гула, а повторяемые отдельные формы композиции в виде натянутых струн создают впечатление органа или гигантских гуслей».

Храм-колокольня Ивана Великого находится на Соборной площади Московского Кремля. Его возвели в начале XVI столетия по проекту итальянского архитектора Бона Фрязина. До XIX века колокольню не раз перестраивали и расширяли. Всего на ней располагаются 34 колокола. Ученый и писатель XIX века Алексей Малиновский описывал их звучание: «Когда звонят во все колокола, то все близкое к звукам их приходит в такое сотрясение, что кажется, будто и земля дрожит».

Юрий Пименов написал картину «Новая Москва» в 1937 году. По его замыслу, полотно должно было стать образом «светлого будущего» новой жизни в социалистическую эпоху.

Городской пейзаж на картине художник воспроизвел с документальной точностью: на ней можно узнать здания гостиницы «Москва», Дома Союзов, вестибюль станции метро «Охотный Ряд». Судя по расположению построек, героиня полотна едет в кабриолете от площади Свердлова к улице Охотный Ряд.

Девушку в автомобиле Юрий Пименов писал со своей жены Натальи. Она часто позировала ему и для других картин — например, для этюда «Золотое платье». В книге «Земное искусство» Пименов писал: «В моей жизни жена… всегда моя лучшая модель, — вспоминая свои работы, сделанные за многие годы, я вижу то ее фигуру, то ее волосы или руки…»

Картина Татьяны Яблонской «Утро» была очень известна в Советском Союзе. Ее репродукции висели на стенах во многих домах, ее печатали в периодических изданиях и в учебниках. На полотне художница изобразила свою старшую дочь Елену Отрощенко (она носила фамилию отца), которой тогда исполнилось 13 лет. Помещение на картине — одна из двух комнат коммуналки в центре Киева, где жили Яблонская и ее дочь.

Когда Елена Отрощенко выросла, она поступила в Строгановскую художественную академию, где познакомилась с молодым художником из Казахстана Арсеном Бейсембиновым. Оказалось, что он с детства был влюблен в девочку с репродукции картины, которая висела у него дома. Вскоре Отрощенко и Бейсембинов поженились, а затем переехали в Казахстан. Их сын Зангар пошел по стопам родителей и тоже стал художником.

Картину Федора Решетникова «Опять двойка» в СССР использовали в школьной программе: на уроках изобразительного искусства она служила образцом жанровой живописи, а на русском языке дети писали сочинения по ней. Эта работа входила в своеобразную трилогию одного автора вместе с двумя другими картинами: «Прибыл на каникулы» и «Переэкзаменовка». Все они изображали будни советских школьников. Но связаны картины не только тематически: на картине «Переэкзаменовка» в левом верхнем углу изображена репродукция полотна «Опять двойка», а копия «Переэкзаменовки» видна на стене комнаты, которую художник написал на картине «Опять двойка».

Для этой работы Решетникову позировал сын художника-авангардиста Густава Клуциса. Федор Решетников сначала собирался создать картину с более радостным сюжетом и назвать ее «Опять пятерка», но в итоге решил, что образы мальчика, который снова получил плохую оценку, его огорченных сестры и матери будут выглядеть более выразительно.

Новая Третьяковка

Представительство Arzamas в Новой Третьяковке находится на этаже, в зале № 18, — здесь можно отдохнуть, нагулявшись среди картин Кандинского и Лентулова, Гончаровой и Розановой. Кроме роликов и материалов Arzamas, в гостиной можно изучать книги из библиотеки филолога Александра Галушкина. А также каждый месяц здесь будут происходить образовательные приключения: лекции, концерты, спектакли, дискуссии. Ждем вас в гости!

Предложение Arzamas сделать гостиную в Третьяковской галерее — большая честь для декоратора и большая ответственность. Для меня тем более, потому что я передаю в это пространство и в общее пользование значительную часть библиотеки мужа, замечательного историка советской литературы Александра Галушкина . Некоторые его книги хранятся в «Литературном наследстве» ИМЛИ РАН, которым он руководил, но основной блок изданий теперь стоит на стеллажах зала № 18 на Крымском Валу. Я думаю, он был бы этому рад.

Я попросила поучаствовать в этой работе своего друга, архитектора Бориса , и именно его мастерская отрисовывала проект — в частности, чертежи нестандартных книжных полок, которые формируют и держат вертикаль интерьера.

Мы хотели, чтобы в этом интерьере не было ничего лишнего и одновременно было все главное. Сложность задачи заключалась в том, что зал большой, потолки очень высокие, верхний свет — музейный, полы менять было нельзя, а проект задумывался как уютное кабинетное, почти камерное пространство, место для отдыха, чтения и размышлений. При этом необходимо было продумать возможность быстрой трансформации медиатеки в лекционный или кинозал, способный принять десятки зрителей.

Стилистически интерьер опирается на годы, своего рода советский style, который отражает дух времени, ощущение перемен, жарких споров «физиков и лириков», институтских диспутов и, главное, свободы, в которой мы и сейчас так остро нуждаемся. Именно этот стиль актуален сейчас и в мировой интерьерной практике. Поэтому мы постарались совместить винтажные предметы с современными, в частности кресла годов из стран соцлагеря — со сдержанными минималистскими «музейными» диванами; стол лектора и пишущую машинку — с видео- и аудиоаппаратурой; антикварные ковры из Дагестана — с дизайнерскими светильниками. Чтобы уравновесить строгие жесткие вертикали книжных стеллажей, покраска стен выполнена тремя широкими горизонтальными полосами, «припыленный» цвет которых сочетается с обивкой мебели. Вообще, в интерьере присутствует только геометрия, характерная для этого стиля.

Этот интерьер может работать и как группа тихих гостиных уголков, в которых можно посидеть с книгой или посмотреть сайт Arzamas на планшете, и (если переставить стулья и кресла) как зал для большой аудитории с подиумом для лектора.

Медиатека в Третьяковской галерее исключает возможность излишнего декора, произведений искусства на стенах, поэтому аксессуарами служат лишь карандаши — в сущности, самое верное и вечное средство для записи мысли, которое, несмотря на технический прогресс, еще никто не отменял.

Отзыв: Государственная Третьяковская галерея на Крымском валу (Россия, Москва) — Искусство на любителя.

Вот я и добралась до Новой Третьяковки на Крымском валу, где по средам бесплатный вход для всех желающих. А так как у меня сейчас есть свободное время, то решила этим воспользоваться и побывать на основной экспозиции «Искусство XX века». Я предполагала, что меня не впечатлит, но не ожидала, что настолько не впечатлит — пространство огромное, а картины совершенно на любителя, а я таковым не являюсь. Я очень люблю Третьяковскую галерею в Лаврушинском переулке, но здесь все другое. Если кто-то восхищается «размазней» — ну что же, это его право, а мне тяжело понять такое искусство.

В самой галерее очень много залов, причем нельзя зайти с одной стороны, а выйти с другой. Ты заходишь через основной вход, поднимаешься по лестнице, проходишь массу залов и приходится возвращаться обратно, так как в последнем зале выход закрыт — совершенно не продумано. Из плюсов — по средам бесплатный вход, а основная цена — 500 рублей. Честно говоря, если бы я пошла на выставку за деньги, то была бы расстроена, ибо это не стоит того, а «за бесплатно» можно было посмотреть. В отзыве покажу те картины, которые мне понравились и те, которые крайне не понравились, а также работы, которые вызвали удивление, почему их называют «шедеврами». Несмотря на будний день, народу было много, даже проводились экскурсии. Открыта была только основная экспозиция, на других этажах проходят ремонтные работы.

Слава богу, никаких очередей не было, иначе я бы ни за что не стала стоять, развернулась и ушла бы гулять в Музеон или в Парк культуры.

В кассе работает один человек. Вот, интересно, а в выходные дни тоже один кассир? Представляю, какие здесь очереди! Можно взять аудиогид за 350 рублей, я не стала этого делать.

А я поднимаюсь по лестнице на четвертый этаж, где находится основная экспозиция.

В галерее я была 22 августа в среду, а значит бесплатно.

Вход на выставку.

Ну что же, давайте посмотрим на современное искусство 20 века.

Скажу честно, что первые залы загнали меня в депрессию.

«Белый овал» и «Дамы в кринолинах».

«Шикарное» произведение — времена года, весна.

Продолжение «шикарной» темы — времена года, зима.

«Колокольня Ивана Великого» и «Тверской бульвар».

Знакомьтесь, «Юлия» (1925 год). Слава богу, на меня не похожа, хотя я тоже Юлия)))

Везде расставлены диванчики, кресла и желтые стульчики — садись и смотри. Вот девушка наслаждается, правда, мне совершенно непонятно, чем именно.

«Летатлин» висит над потолком. А на стене видим композиции под названием «Пространственно-силовое построение».

«Музыкант» и «Контр-рельеф».

Патриотизм здесь тоже имеет место быть!
Ленин в Смольном. Большевик. Бюст Анатолия Васильевича Луначарского.

Картина слева — «Портрет советской арфистки Веры Дуловой» (Яковлев В. Н., 1934 год), картина справа — «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле» (Герасимов А. М, 1938 год). Скульптура — «Чабан» (Абдурахманов Ф. Г., 1950 год).

Иосиф Виссарионович Сталин и Климент Ефремович Ворошилов во всей красе (1938 год).

Картина «Хлеб» очень напомнила мне фильм «Кубанские казаки».

Картина советского художника Семена Чуйкова — «Дочь Советской Киргизии».

«Бравые строители Братска».

«Даешь тяжелую индустрию!».

«Северная баллада. Александр Невский. Старинный сказ».

Зал, посвященный христианству, но как-то все странно. Посмотрите на фото слева.

О, спорт — ты жизнь!

«Автопробег» и «Новая Москва».

В одном из залов представлена выставка «Футбол и не только», где можно увидеть буквально с десяток скульптур. Девушка с веслом хороша!)))

Целый зал посвящен картинам советского живописца Гелия Коржева. Это тоже, знаете ли, на любителя, особенно фото слева.

Единственный зал, который мне понравился — здесь есть чем полюбоваться: пейзаж и природа.

«Сирень» и «Бухта в Балаклаве».

Портрет композитора Сергея Сергеевича Прокофьева, в музее которого я была в этом году.

И еще мне понравилась картина «Вратарь».

Мы возвращаемся к «шедевральным» композициям.

А в этих залах размещена такая чушь, что даже и говорить ничего не хочется.

«Иконостас» и «Сталин и медведь». Есть еще вопросы?

Все вопросы к «неопознанному идеологическому объекту».

Как думаете, что это? А это «Знак на кусте».

Удивительно, как во всю эту «шайку-лейку» вписался Александр Сергеевич Пушкин.

В некоторых залах можно было увидеть мягкие кресла желтого цвета. На фото в креслах сидят мужчины и, видимо, наслаждаются картиной «девушки в красном».

В последнем зале можно разглядывать шедевры, выполненные на гофрокартоне.

«Голова лошади» (гофрокартон).

Холл на первом этаже.

Здесь же есть магазин, но я туда не заходила и не знаю, что продают и какие там цены.

На набережной Москвы-реки художники продают свои картины и они в тысячу раз лучше всего того, что я увидела на выставке «Искусство 20 века», а еще ими можно бесплатно любоваться! Вот просто душа радуется, глядя на такую красоту.

А так выглядит Центральный Дом Художника на фоне «сухого фонтана», который на самом деле очень даже мокрый))))) Правда, погодка была прохладная и никто не купался и не брызгался.

Москва-река, памятник Петру Первому и ЦДХ с Крымского моста.

Могу сказать так — мне не понравилась экспозиция «Искусство 20 века», хотя и были некоторые картины очень даже неплохие, но, в целом, это бред. Конечно, радует, что посетила галерею бесплатно, а если бы отдала 500 рублей — было бы невероятно жаль. Вот хочу вспомнить выставку художника Сергея Андрияки в музее-заповеднике «Царицыно», на которой я была трижды и мне нисколько не надоело, ибо это настоящие шедевры, которыми можно любоваться часами. То, что я увидела в «Новой Третьяковке» даже рядом не стоит с тем, что было на выставке Сергея Андрияки.

Немного полезной информации. Новая Третьяковка находится на Крымском валу (метро «Парк Культуры»). Галерея работает каждый день, кроме понедельника. Время работы разное: во вторник, среду и воскресенье с 10.00-18.00 часов, в четверг, пятницу и субботу с 10.00-21.00 часа. Цена билета для взрослого человека — 500 рублей, льготный — 250 рублей, есть категории граждан, кто может посетить галерею бесплатно, надо уточнять в кассе или на официальном сайте. Фотосъемка бесплатная.

Конечно же, рекомендовать буду, ведь сколько людей, столько и мнений, но я там была в первый и последний раз в жизни. В любом случае, чтобы составить свое мнение — надо один раз увидеть все своими глазами, так что дерзайте)))

Новая Третьяковка

Если вы интересуетесь искусством 20 и 21 веков, побывайте в Новой Третьяковке в Москве. Более 5000 произведений размещены тематически, то есть картины и скульптуры одного автора можно увидеть в разных залах.

Музей знакомит с самыми известными художественными направлениями прошлого века — авангардом, соцреализмом, минимализмом, андеграундом, искусством «сурового стиля», поп-артом и новейшими течениями. Даже тем, кто почти не разбирается в истории искусств, интересно посмотреть на картины таких всемирно известных мастеров, как Казимир Малевич, Василий Кандинский, Павел Филонов и Марк Шагал.

Кроме ретроспективы работ знаменитых живописцев и графиков, здесь проводят экспериментальные выставки молодых художников. В нескольких залах показано неофициальное искусство 1960-1980-х гг. Широко представлены дары и новые поступления, которые пополнили собрание Третьяковской галереи в последние годы. В 2023 году музей на Крымском валу будет полностью закрыт на реконструкцию на четыре или пять лет. На это время часть экспонатов отправят в хранилища, а другие будут выставляться в помещениях на Кадашевской набережной.

Адрес: Москва, Крымский вал, 10

Координаты: 55.734670, 37.605861

Режим работы: 10:00-18:00 (воскресенье, вторник, среда), 10:00-21:00 (четверг-суббота)

Официальный сайт: tretyakovgallery.ru

История

Идея создать Новую Третьяковку зрела с 1920-х годов. Окончательно вопрос был решен в только 1959 году, после того как власти Москвы передали Третьяковской галерее участок земли на Крымском валу.

Архитекторы составили проект нового здания в стиле раннего советского модернизма. Просторный четырехэтажный павильон должен был вмещать залы для экспонатов площадью 12 тысяч квадратных метров. Часть здания была отведена под выставки, а другая отдана Центральному дому художников.

В Новой Третьяковке представлена огромная коллекция произведений современного искусства.
Фото: commons.wikimedia.org

Строительство началось в 1965 году. Спустя 12 лет были сданы залы, которые принадлежали Союзу художников СССР. Остальной музей возводили очень долго — до 1985 года, то есть в течение 20 лет. Вскоре после открытия новый павильон стал частью большого музейного объединения, которым руководила Третьяковская галерея.

Первые выставки в здании на Крымском валу открылись в 1986 году. Через 10 лет, после окончания реставрации старого здания Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке, главную коллекцию картин, графики и скульптур 20 века перенесли в Новую Третьяковку.

Кроме произведений современного искусства, здесь можно увидеть работы классиков отечественной живописи. В 2016 году в музее прошла выставка русского художника Валентина Серова, которую посмотрели 485 тысяч человек. Через год в галерее провели выставку к 200-летию Ивана Айвазовского, она собрала 600 тысяч зрителей.

Что посмотреть?

«Черный квадрат» Малевича был создан в 1915 году и до сих пор будоражит умы ценителей искусства. Это самая обсуждаемая картина в мире.

Полотно «Над городом» Марка Шагала часто используют в качестве иллюстраций в книгах и журналах. На нем художник изобразил себя с женой Беллой над крышами Витебска. У влюбленных только по одной руке, поэтому они не могут существовать друг без друга.

На картине Марка Шагала «Над городом» художник изобразил себя и жену.
Фото: tretyakovgallery.ru

Произведения раннего советского искусства выставлены в залах № 15-25. Здесь экспонируются самые известные работы Александра Дейнеки, Татьяны Яблонской, Федора Решетникова и Юрия Пименова. Многие из них, вроде картины «Опять двойка», раньше украшали страницы советских учебников.

Рядом с Новой Третьяковкой находится самый крупный в нашей стране музей скульптуры под открытым небом, который посещают до 2,5 млн туристов в год. Экспонаты парка Музеон стоят на аллеях и дорожках. Их разрешено трогать и фотографировать.

В Новой Третьяковке откроется пространство современного искусства Laboratoria Art&Science

Первая выставка «Да живет иное во мне» расскажет об обществе будущего, о взаимодействии с нечеловеческими агентами и новой коммуникации.

22 июня в здании Новой Третьяковки на Крымском Валу откроется новое пространство Laboratoria Art&Science, созданное в сотрудничестве с одноименным фондом. Первой экспозицией лаборатории станет science-art-проект под названием «Да живет иное во мне». Цель выставки на грани искусства и науки – изучение того, как и с помощью чего люди могут взаимодействовать с нечеловеческими агентами: растениями, животными, бактериями и искусственным интеллектом.

На выставке будет представлено 11 проектов зарубежных и российских художников: Марины Абрамович, Ральфа Беккера, Дани Васильева, Агнес Майер-Брандис, Елены Никоноле, Нины Райчич, Саши Спачаль, Дженны Сутела, Art Orienté Objet, ::vtol:: и 0(rphan)d(rift). Каждый из них вместе с учеными и инженерами исследует тему гибридных сообществ, новой коммуникации и способов нового мышления.

Например, в роботической нейроинсталляции «Мираж» Ральф Беккер позволяет увидеть зрителям сны нейросети – магнитные поля Земли, которые мы можем только ощущать. А Агнес Майер-Брандис вступает в диалог с деревом на его языке в инсталляции One Tree ID. Совместно с учеными она изучает аэрозольные вещества, производимые конкретным деревом, и создает на их основе состав, который зритель может нанести на себя и предстать для дерева в экспозиции его сородичем.

Ральф Беккер / Ralf Baecker (Германия), «Мираж», роботическая нейроинсталляция, 2014

Фото © Ralf Baecker

Агнес Мейер-Брендис / Agnes Meyer-Brandis (Германия), One Tree ID, биохимическая инсталляция, 2019

Художница Саша Спачаль в рамках биотехнологической инсталляции EARTHLINK предлагает установить связь с планетой и окружающей средой через дыхание – вдохнуть воздух, обогащенный почвенными бактериями Mycobacterium vaccae, которые, по словам Спачаль, улучшают настроение, уменьшают беспокойство и повышают умственные способности.

Французский дуэт Art Orienté Objet представит один из самых необычных проектов на выставке. Их биоарт-перформанс «Да живет лошадь во мне» посвящен теме человека-гибрида будущего. Художница Марион Лаваль-Жанте во время перформанса вводит себе сыворотку лошадиного иммуноглобулина, чтобы «принять физическую форму кентавра и приблизиться к невозможному: размыть границу между человеком и животным и испытать подлинную эмпатию».

Cаша Спачаль / Saša Spačal (Словения), Earthlink, интерактивная биотехнологическая инсталляция, 2018

Art Orienté Objet (Франция), «Да живет лошадь во мне», видеодокументация биоперформанса, 2011

Один из главных экспонатов выставки – научно-художественный эксперимент «Измеряя магию взгляда» Марины Абрамович. Он основан на знаменитом перформансе «В присутствии художника», в рамках которого зрители могли попробовать установить ментальную связь с художницей, сидя напротив и глядя ей в глаза. Этим экспериментом Абрамович хочет проверить гипотезу о том, что взгляд глаза в глаза вызывает синхронизацию работы мозга.

Марина Абрамович / Marina Abramovic, «Измеряя магию взгляда», научный эксперимент-перформанс, 2012

Мы поговорили о грядущей выставке, сложностях работы с необычными экспонатами и обществе будущего с куратором проекта Laboratoria Art&Science Дарьей Пархоменко.

GQ: Насколько, по вашему мнению, современное общество близко к переходу к гибридному технобиологическому сообществу?

Дарья Пархоменко: Сегодня, когда человечество стало доминирующим экологическим фактором планеты, а изменения климата и экосистем угрожают нашему выживанию, мы просто вынуждены начать открыто признавать себя частью сложного сообщества. Люди уже – технобиологические гибриды, но пока у нас недостаточно инструментов, чтобы ориентироваться в этом мире.

Выставка «Да живет иное во мне» рассказывает о том, как технология становится интерфейсом для взаимодействия между иными биологическими видами или физическими явлениями и человеком. Чтобы найти новые способы взаимодействия с нечеловеческими сущностями, чтобы научиться говорить на их языках, нам необходимы новые технологические помощники-медиаторы. Их создают художники совместно с учеными, и наша выставка состоит из систем гибридной технобиологической коммуникации. Художники выставки предлагают видение, которое приближает нас к воплощению гибридного технобиологического сообщества.

Какой экспонат выставки заинтересовал вас больше всего?

Все произведения очень разные и невозможно остановиться на одном, они все создают истории о коммуникации с Иным. Например, инсталляции Earthlink, «Да живет лошадь во мне» и One Tree ID меня захватили, как только я их увидела впервые, и они же меня вдохновили на идею выставки про межвидовую коммуникацию. А несколько новых работ, такие как WannaScry и Mirror Ritual, – это совсем новые произведения, только из мастерских художников, и высказываются на самые остроактуальные темы. Инсталляция Earthlink, представляющая собой искусственный биоценоз, – самое технически сложное произведение выставки, ему требуется специальный монтаж: ведь в его состав входят, например, живые бактериальные культуры.

Насколько сложно работать с такими необычными видами инсталляций?

Такие работы – как полуживые сущности, за которыми нужен особый уход, поддержание, специальные условия взаимодействия с этими работами.

Что может испытать зритель во время взаимодействия с нечеловеческими агентами?

Зритель сможет обрести новое понимание собственных чувств. Мы привыкли, что важнейшими из чувств для нас являются зрение и слух. А нечеловеческие агенты могут задействовать совсем иные типы восприятия, вот, например, запах! Часто ли вы узнаете людей, лишь почувствовав отдаленный аромат их любимых духов? Именно такой механизм восприятия лежит в основе One Tree ID Агнес Майер-Брандис.

Какие еще проекты планирует Laboratoria Art&Science?

Масштабная конференция в рамках выставки «Да живет иное во мне» пройдет в конце сентября, в ней примут участие как художники, так и ученые и философы, чтобы подвести итоги и обсудить проблемы, поднятые на выставке.

Наша следующая выставка – New Elements – откроется в ноябре. Она посвящена материальности данных: мы сможем посмотреть на природные явления как на процессы обработки данных и на сложные технологические системы – как на явления природы. В следующем году будет также серия персональных выставок, первая из которых, австрийского художника Томаса Фойерштайна METABOLICA, – мировая премьера.

Вероятно, вам также будет интересно:

Как ходить по музеям во время коронавируса?

Выставки, на которые мы советуем сходить в июле

Как современному художнику попасть в коллекцию Третьяковки? Отвечают кураторы, художник и сотрудница музея

19 апреля коллекцию Государственной Третьяковской галереи пополнили работы современных российских художников: Владимира Логутова, Дмитрия Венкова, Арсения Жиляева, Ирины Кориной, Егора Кошелева, Миши Most, Алексея Булдакова и Анастасии Потемкиной, Евгения Гранильщикова, Эльдара Ганеева, Евгения Римкевича, группировки «ЗИП» и Recycle Group.

Работы в дар галерее передал Фонд поддержки современного искусства «Винзавод»: впервые в отечественной практике музей классического искусства принимает в дар столько работ современных художников от частного арт-центра. Все авторы — участники юбилейного цикла «Прощание с вечной молодостью», которые, по замыслу куратора проекта, перешли из статуса «молодых» художников в статус «состоявшихся».

The Village узнал, что дает художнику присутствие в классическом музее и что нужно сделать, чтобы увековечить свою работу для потомков.

Каким образом искусство попадает в коллекции классических музеев?

заместитель генерального директора Государственной Третьяковской галереи по научной работе

Решения о приеме работ в коллекцию принимаются коллегиально на экспертной фондово-закупочной комиссии (ЭФЗК), куда входят ведущие специалисты всех научных отделов музея, а также главный хранитель, реставраторы и заведующий отделом технологических исследований. Возглавляет комиссию заместитель генерального директора по научной работе.

Мы принимаем далеко не все произведения. Наши фонды не бесконечные, и мы не можем заполнять собрание произведениями, которые заведомо будут в запасниках и не украсят экспозицию.

В советские годы собрание музея регулярно пополнялось за счет государственных закупок с выставок и из мастерских официально признанных художников. В 1990-е годы по экономическим причинам этот процесс был приостановлен. В 2000-х — первой половине 2010-х закупки Министерства культуры России в фонды Третьяковской галереи продолжились, но в небольших количествах. В результате ключевые произведения крупнейших современных художников разошлись по частным коллекциям в России и за рубежом, а в собрании Третьяковской галереи образовались значительные лакуны в произведениях 1960-х — 2000-х годов. Сейчас стоимость работ, необходимых музею, чтобы заполнить эти пробелы, слишком высока. Мы очень рассчитываем, что исправить такую ситуацию и помочь галерее могут только крупные меценаты и дарители, а также сами художники.

Почему современному художнику нужно попасть в коллекцию классического музея?

куратор Мультимедиа Арт Музея, лауреат премии «Инновация» в номинации «Кураторский проект»

Если рассматривать классический музей как хранителя устоявшейся традиции, то современный художник, попадая в такой контекст, безусловно, приобретает новый статус. Он получает признание музейного искусствоведческого сообщества, и его работы оказываются в одном собрании с общепризнанными шедеврами.

В то же время, я осмелюсь предположить, что для художника самое важное, чтобы его произведения жили. Жить они могут, только экспонируясь на выставках: когда они видны, когда вокруг них происходит интеллектуальная работа. Попав в классический музей, художник, конечно, может указать в своем CV информацию о том, что его произведения вошли в собрание статусного музея, и это, несомненно, будет преимуществом для его биографии. Важно, однако, чтобы его работы не просто хранились в запасниках. Как мне кажется, прежде всего современный художник хотел бы, чтобы его работы продолжали выставляться, осмысляться и вступать во взаимодействие с другими произведениями. И поэтому тем художникам, которые оказались в собрании классических музеев, я искренне желаю, чтобы эти их произведения ждала дальнейшая бурная выставочная судьба.

Как художнику попасть не просто в запасник, а в экспозицию классического музея?

куратор Музея современного искусства «Гараж»

Вопрос, как минимум, о вечности. Более того, его постановка раскладывается на несколько вполне самостоятельных сюжетов, которые тянут за собой дискуссию. И это касается и постоянной музейной экспозиции, ее значения, смены функционала, телеологии, если угодно, жизненных циклов и задач самого художника.

Однако мне представляется, что в любом случае речь должна идти о программном интересе отдельно взятого музея к современному искусству, часто его радикальным и, так сказать, неудобным формам. Более того, этот интерес должен существовать в модусе «здесь и сейчас», то есть разворачиваться синхронно с актуальным художественным процессом.

Это касается не только деятельности музейных кураторов, но и музейного менеджмента, который в условиях хронической нехватки закупочных бюджетов продолжает искать дополнительные ресурсы для закупок молодого современного искусства.

Важно также в рамках выставочной деятельности — сменных, временных экспозиций — вести осмысленную работу с актуальными художниками, перенастраивать саму систему, возвращая в музей живую энергию собирательства «по горячим следам», как делали все великие институции и собиратели.

С какими институциями надо сотрудничать современному художнику, чтобы попасть в классический музей, и в каких проектах принимать участие?

куратор, арт-критик, искусствовед, автор выставочного цикла ЦСИ «Винзавод» «Прощание с вечной молодостью»

Хорошие художники сотрудничают с самыми разными институциями, иногда совсем небольшими и очень странными. Что можно посоветовать художнику, так это не заниматься активным самопродвижением и self-маркетингом. Это точно тупик. Надо заниматься тем, что интересно с творческой точки зрения, а не пытаться делать карьеру. На самом деле, музеи и профессиональные институции самостоятельно проводят необходимые исследования и находят художников, которых считают важными на данном этапе своей работы. К тому же в зависимости от эпохи конъюнктура меняется и те авторы, которые нравятся экспертам сейчас, совершенно не обязательно будут столь же привлекательны для историков искусства будущего. На мой взгляд, самое главное для современного художника — хорошая профессиональная галерея, которая откроет ему путь не только в классический музей, но и другие карьерные возможности.